JYOTIS

«Pratique vocale intensive»

Stage d'été en Dordogne

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PROGRAMME
 

Une semaine de travail vocal intensif en technique vocale avec un accompagnement ciblé de chaque artiste, des mises en situation professionnelles régulières et un concert de fin de stage pour expérimenter les acquis du stage. A partir d’une conscience plus aiguë de son identité artistique et de méthodologies de travail nourries par l’acquisition d’outils rigoureux, c’est l’ensemble des capacités d’engagement, d’interaction, d’autonomie et de choix de l'artiste qui seront fortifiées. Un véritable travail de fond qui valorise aussi la singularité de l'interprète et non sa conformité à un modèle.

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OBJECTIFS :

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CHANT

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Approfondir sa technique vocale, acquérir de solides bases pour entrer dans un nouveau champ d'interprétation. Élargir son ambitus.

Acquérir plus de légitimité de par ce perfectionnement technique : trouver un geste respiratoire et un placement vocal sains et naturels, développer les différents résonateurs de la voix en précisant notamment la juste position de la langue, des lèvres et des mâchoires.

Acquérir la capacité d'adapter son émission vocale au style ou à l'esthétique musicale choisis.

Travailler un large répertoire parlé et / ou chanté, et, notamment, travailler avec un pianiste chef de chant, lors de séances individuelles, ou collectives, avec lui ou avec lui et l'intervenante chant, de manière à créer le lien entre technique, interprétation vocale et travail scénique, entre soi et les autres (le public, les partenaires de scène).

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TRAVAIL SCÉNIQUE ET D’INTERPRÉTATION VOCALE

 

Accompagner l'artiste à retrouver (trouver) une liberté scénique en renouant (nouant) avec sa veritable identité artistique et notamment en trouvant un lâcher prise (également lié aux pratiques corporelles du stage).

 

Aider l'artiste à choisir son répertoire, à se choisir, à assumer son propre désir et sa propre identité artistiques.

 

Faire ensuite le lien avec le fait que seul ce lâcher prise permet de rejoindre au plus près l'écriture musicale de l'oeuvre : développer la posture intérieure qui permet d’être à la fois pleinement soi-même, en contact avec ses sensations et ses émotions et au service d’un propos artistique.

Travailler un large répertoire vocal lors de séance individuelles avec le pianiste chef de chant et parfois avec lui et l'intervenante chant. Savoir mettre la technicité au service de l’émotion et de l’expression dans une situation scénique

 

Rôder ainsi des programmes de concert ou d'audition, mais aborder également des répertoires nouveaux que l'artiste ne s'était par exemple jamais autorisé jusque là à chanter dans un esprit de libération, de fluidité et de recherche d'un maximum de plaisir musical, vocal et scénique.

 

PUBLIC : Ce stage s'adresse aux artistes professionnels et pédagogues de la voix  : chanteurs lyriques ou chanteurs de variété, chefs de chœur, professeurs de formation musicale, professeurs des écoles, de collège ou de lycée, ou de chant choral, aux comédiens, ainsi qu'aux instrumentistes souhaitant développer leur pratique vocale.

 

DURÉE ET DATES : 25 heures sur 1 semaine,

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INTERVENANTS :

 

Stéphanie Brunet, artiste lyrique, professeur de chant & de yoga, coache d'artistes & metteur en scène  & Annini Tsiouti, musicologue, pianiste accompagnatrice, chef de chant.

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TARIFS (des prises en charge sont possibles pour ce stage, contactez nous)

 

COURS :1000€

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HÉBERGEMENT ET RESTAURATION : 500€

 

LIEU : Le petit hameau de Courteilles (commune de Saint Laurent des bâtons 24510) se situe au cœur du Périgord « blanc » (entre Bergerac, Périgueux et Sarlat), dans un cadre unique, vaste, en pleine campagne.

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CONTENUS ET AXES DE TRAVAIL :

 

CHANT

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Clarification des bases anatomiques de la respiration (poumon, diaphragme, muscles inspirateurs expirateurs) et du chant (larynx, cordes vocales, mâchoires, conduction osseuse du son). Prendre conscience des aspects mécaniques (cordes vocales), des résonateurs, des insertions du diaphragme, du périnée. Différencier pression et débit. Apprendre à se laisser faire par le souffle en trouvant un lâcher prise.

Travail en technique vocale : vocalises collectives ou individuelles, jeux vocaux simples et sains, exploration des registres, des couleurs, des intentions vocales. Exploration des possibilités sonores du corps de chacun.

 

TRAVAIL SCÉNIQUE ET D’INTERPRÉTATION VOCALE

 

 

Trouver une aisance, une fluidité sur scène. Plus de liberté, de naturel et de bien-être dans l'acte vocal. Trouver des outils pour ne plus se faire envahir par la peur, le stress, et pouvoir garder la spontanéité naturelle de départ du chanteur.

 

Apprendre à identifier ses émotions, à les accueillir et à rester en contact avec elles pour ensuite pourvoir donner le meilleur de son chant à un moment « M ».

 

Prendre conscience de la différence essentielle entre chanter les notes et adresser un chant qui devient une parole. Réinventer en permanence le chant qui doit surgir du présent et non d'une mémoire. Savoir s'adapter aux différents styles et écritures musicaux en fonction du projet artistique de chacun. Travail du phrasé, de la parole et de la voix chantée, du texte et la sémantique.

 

En lien avec les points précédant, travailler avec le chef de chant et / ou l'intervenante chant en interprétation vocale un large répertoire parlé et / ou chanté, individuel ou collectif. Le travail en duos, trios, ensembles, avec l'objectif du concert de fin de stage permet également de renouer avec la spontanéité, la fluidité, et de trouver un maximum de plaisir sur scène.

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PRATIQUES CORPORELLES LIÉES AU GESTE VOCAL

 

Pourquoi ? Connaître et savoir utiliser ce travail sur le corps, sur le geste et l'espace comme outil de développement du potentiel expressif et créatif de l'artiste. Intégrer cet outils dans son expression et / ou dans sa pédagogie pour ceux qui enseignent aussi. Comment prendre en compte le corps, comme élément déterminant d'un accès au sens, à l'émotion et à l'intériorité ? Comment amener l'interprète à se rendre disponible pour découvrir, explorer, habiter et exprimer pleinement son potentiel ?

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Bienfaits sur le geste vocal : le chanteur trouvera dans ces pratiques, issues du yoga Iyengar, des outils concrets pour ouvrir physiquement le corps et notamment la cage thoracique, trouver un double ancrage, un état de centrage lui permettant de donner le meilleur de lui même à un instant « T ». Il pourra ensuite aisément les appliquer dans sa vie professionnelle.

 

Acquérir une méthodologie de préparation à l’entrée en scène, à l’audition, au concert : travailler l’intensité de la prestation, la relation au public et à l’espace, la liberté intérieure, l’énergie et la dynamique de l’interprétation. Trouver une détente et une disponibilité, notamment au plan du souffle, de la verticalité, de l'ancrage au sol, de l'écoute intérieure, de la qualité et de la fluidité du mouvement, de la relation à l’espace, de la concentration, de l'énergie. Ces pratiques conduiront l'interprète à créer le lien entre la technique vocale et l'interprétation musicale, entre lui et ses émotions, lui et les autres, entre son mental et son corps physique

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PROGRAMME QUOTIDIEN  :

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CINQ HEURES DE TRAVAIL QUOTIDIENNES PAR ÉLEVE

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9H-10H00 : pratique corporelle tonique pour réveiller, dynamiser le corps, ouverture optimale de la cage thoracique, bien respirer, lier le corps et le mental, et trouver un double ancrage terre / ciel en totale relation avec l'ancrage nécessaire à l'interprète sur scène, la recherche de la verticalité. Préparer le corps et le mental à chanter et se produire sur scène.

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10H00 / 13H00 : 1 heure 30 minutes de technique vocale avec l'intervenante chant / pendant que les autres travaillent avec le pianiste en interprétation vocale.

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13H00 : pause / repas

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14H-18H00 : reprise des cours - 1 heure 30 minutes de travail avec l'intervenante et le pianiste en interprétation vocale et mise en situation scénique professionnelle devant les autres stagiaires pour travailler également le ressenti immédiat de chanter en public.

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18H00-19H : Pratiques corporelles de relaxation et de méditation permettant à chacun de trouver un alignement mental et physique, un lâcher-prise, et d'intégrer profondément les découvertes vocales de la journée. Accompagner l'artiste à intégrer cet outil qui est notamment essentiel avant de rentrer sur scène.

 

APPRÉCIATION DES RÉSULTATS :

 

L'évaluation des acquis du stage se fera sous la forme d'un contrôle continu. Le concert de fin de stage permettra aux formateurs d'apprécier pleinement les progrès des stagiaires.

 

 

CONCERT DE FIN DE STAGE :

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Un concert public et gratuit de fin de stage aura lieu sur place en fin d'après midi du dernier jour. Il permettra à chacun de mettre en pratique les acquis et découvertes du stage dans un esprit de grande bienveillance. Aucun des stagiaires ne sera rémunéré pour ce concert.

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Être en scène ... jouer... chanter... Comment rester en contact avec ses sensations et ses émotions, et au service d'un propos artistique ? Tout le travail du stage aura permis à l'interprète d'enrichir considérablement ses qualités de présence, d'ouverture et de mobilité tout en accédant à une identité d'expression plus forte. L'épanouissement du chanteur passe par une expérience de rupture qui l'oblige à déplacer ses habitudes et ses représentations habituelles pour laisser émerger la singularité de son chant, c'est-à-dire ce qui le relie à l'universel et va résonner dans l'intime du spectateur.

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INTERVENANTES :
 

Stéphanie Brunet, artiste lyrique, professeur de chant, professeur de yoga, coache d'artistes et metteur en scène intervient dans de nombreuses structures, auprès d'artistes professionnels et de formateurs (CRR de Paris, CYAM, JYOTIS, SULL'ARIA, Tour des dames (centre culturel de la Mairie du Neuf), Capriccio français, Conservatoire Municipal du 9ème, Université Paris IV Sorbonne...).

 

Elle collabore régulièrement avec des metteurs en scène, comme C. Hardy ou des chefs de chœur

comme Philippe Le Fèvre pour la préparation vocale et corporelle des comédiens et chanteurs.

Son approche relie notamment la pratique du yoga Iyengarà la pratique vocale.

Elle s’intéresse particulièrement au rapport entre le texte et la musique,

à l'interprétation du texte pour trouver une aisance scénique.

En 2011 Stéphanie Brunet a fait une formation au coaching d'artiste au sein de

«Harmoniques » et se perfectionne dans ce domaine depuis.

De 2010 à 2012 elle se forme intensivement à l'enseignement du yoga

d'inspiration Iyengar auprès de Céline Miconnet.

Elle obtient son diplôme de professeur de yoga en juin 2012.

C'est la combinaison de tous ces outils avec son expérience de la scène

qui rendent son travail particulièrement intéressant, original et efficace.

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Après avoir effectué le cursus complet de Musicologie à l’Université Paris IV-Sorbonne (Maîtrise sur les Lieder de Franz Liszt, DEA sur les Mélodies du même compositeur) Stéphanie Brunet étudie le chant avec M. Alcantara. Elle se perfectionne ensuite au sein de Masterclasses avec Christa Ludwig, Agnès Mellon, Robert Massard, François Leroux, Florence Guignolet, et, dans le domaine de la Mélodie et du Lied, en suivant l’Académie de mélodie française au CNR de Toulouse avec B. Jolas, N. Lee, R. Yakar, et un DESS « Formation à l’art du récital » à l’Université Paris III, sous la direction de F. Tillard.

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1 Quelques productions musicales  : « Rosa » dans « Le pèlerinage de la Rose » de Schumann aux Folles journées de Nantes (dir. P Colleaux) - « Ange 1 » dans la « Pastorale sur la Naissance de notre Seigneur Jésus Christ » de Charpentier (Parlement de Musique, dir. Mus. M. Geister) - Création française de Mass de Bernstein à Cergy-Pontoise et à Vannes (mise en scène E. - « Inconnu à cette adresse », Festival d’Avignon (compagnie Ultima Chamada) - « Les  Dévergondages baroques » (mise en scène B. Brumer), Théâtre du Tambour Royal.

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Annini Tsiouti, musicologue, pianiste et accompagnatrice privilégie la musique des

20e et 21e siècles, tant dans son activité de pianiste que de musicologue. Ses programmes de

concert mettent la création contemporaine en vis-à-vis avec des œuvres antérieures,

offrant des nouvelles pistes d’écoute et de découverte. Dans sa thèse en musicologie,

sur le cycle des 32 Pièces pour piano du compositeur grec Nikos Skalkottas (1904-1949),

elle explore l’apport du geste pianistique à l’interprétation, en l’utilisant comme véhicule

de l’analyse, une notion qu’elle met aussi en pratique dans sa propre activité de pianiste

et d’enseignante. Annini a créé plusieurs œuvres de compositeurs Chypriotes pour piano

solo ou pour ensemble avec piano. Elle a joué la totalité de l’œuvre pour piano du

compositeur Faidros Kavallaris (né en 1950), qui lui a aussi dédié une de ses dernières

pièces pour piano (Phoni Mesaritissa, 2013). Depuis 2014 Annini travaille avec le

compositeur Australien Graham Hair. Elle a enregistré ses Mediterranean Duets avec des

membres du groupe Scottish Voices pour un disque qui sortira prochainement sur le label américain Ravello. En novembre 2017 elle a donné en concert à Glasgow des nouvelles pièces de Graham Hair avec des membres du Scottish Clarinet Quartet, et en 2019-2020 elle fera la création de sa nouvelle pièce pour piano, soprano et six percussions au Reid Hall à Edinburgh. Pendant la saison 2018-2019 Annini a donné à Paris des récitals solo et des concerts de musique de chambre. Pendant la saison 2019-2020 elle apparaitra en février à Athènes, dans une série de concerts de musique contemporaine organisée par la Fondation Onassis, dans un programme combinant trois pianos de tailles différentes. Entre autres elle fera la création de la pièce de Brice Catherin intitulée Numéro 2, dans la version pour piano et électronique. Annini apparaitra ensuite à Paris, dans la série de concerts Cantus Formus organisée par le compositeur Nicolas Bacri, où elle va interpréter des pièces de Nikos Skalkottas et de la compositrice française d’origine grecque, Hélène Covatti-Dussaut.

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TÉMOIGNAGES

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